Martín La Rosa besucht Da Vinci und Rembrandt, als wären sie entfernte Verwandte.

Sehen Sie sich Porträts von Rembrandt , Da Vinci, Vermeer und Velázquez an. Tauchen Sie ein, lernen Sie sie live und persönlich kennen. Besuchen Sie sie wie einen entfernten Verwandten, den Sie vermissen. Und sie mit anderen Pinselstrichen neu zu erschaffen, aus der künstlerischen Logik dieser Zeit. Dies ist es, was Martín La Rosa tut, dessen eindrucksvolle Gemälde im Caseros-Hauptsitz des Nationalen Universitätsmuseums Tres de Febrero (MUNTREF) zu sehen sind.

Seine Porträts stimmen der Mimesis zu und zerlegen sie zugleich, wodurch eine neue, nahe und abgründige Szene konstruiert wird. Sie reisen durch die Zeit, ohne jedoch die Gegenwart zu verlassen, und gehen dabei auf Details und Ereignisse ein. „Als unersättlicher Leser, der Textfragmente unterstreicht und sie dann in seinen Schriften zitiert, eignet sich Martín La Rosa einige der Meisterwerke der westlichen Kunst an und tritt bei jeder Geste der Aneignung in einen geduldigen und zeitlosen Dialog mit seinen Künstlerkollegen. In diesem von Stille und Geheimnis umgebenen Gespräch schöpft er seine Fähigkeit zum visuellen Zuhören voll aus“, sagt Florencia Battiti , Kuratorin der Ausstellung.

La Rosa (Buenos Aires, 1972) studierte an der Nationalen Schule der Schönen Künste Prilidiano Pueyrredón und erhielt mehrere Auszeichnungen. Seine Arbeiten wurden in Einzelausstellungen unter anderem in Buenos Aires, Miami, New York und London gezeigt. Er lebt zwischen Argentinien und Europa und seine letzte Ausstellung „ Der Baum und der Wald “ fand in Spanien und Italien statt. Im Dialog mit Ñ sprach der Künstler, der auch als Zeichner tätig ist (in dieser Disziplin wurde er im kürzlich erschienenen Band XIII der Allgemeinen Kunstgeschichte Argentiniens der Nationalen Akademie der Schönen Künste hervorgehoben), unter anderem über die Bedeutung des kreativen Prozesses, den Lauf der Zeit im Werk, die künstlerische „Wahrheit“ in der heutigen Zeit .

-Das Porträt einer einzelnen Person ist immer stärker. Ich denke, es ist eine Ausrede, das Loch, die Leere, die Stille und den Raum einzufangen. Ich habe alle diese Porträts persönlich gesehen, sonst könnte ich nicht arbeiten. Wenn Sie eine Person porträtieren, geht es Ihnen nicht nur um die Darstellung des physischen Erscheinungsbilds, sondern auch um einen Austausch. Wenn ich ein Gemälde sehe, male ich auf die gleiche Weise, was mir passiert . Dies begann damit, dass ich in der Frick Collection in New York zum ersten Mal ein Selbstporträt von Rembrandt [von 1658] sah. Jedes Mal, wenn ich zurückkam, war das Erste, was ich tat, ihn zu begrüßen, als wäre er ein Familienmitglied . Und wenn ich am ersten Tag nicht hingegangen bin, hatte ich ein schlechtes Gewissen.

- Es ist eine Herausforderung, mit den Meistern der westlichen Renaissance- und Barockmalerei zu malen.

-Ein Künstler wählt nicht aus, was er malen wird, das Bild drängt sich auf. Als ich Guillermo Roux meine Arbeit zum ersten Mal zeigte, sagte er zu mir: „La Rosa, du bist verloren.“ Mit der Zeit habe ich herausgefunden, was er meinte. Man hat keine andere Wahl, als zu sein, wer man ist. Und das Einzige, was in einem mehr oder weniger zeitgenössischen Werk zählt, ist, die Wahrheit zu sagen . Ich habe die Mona Lisa mehrmals gemacht und dies war das letzte [das in der Ausstellung 2022 zu sehende]. Ich habe versucht, es möglichst wenig zu malen und erkennbar zu machen. Ich habe Anekdoten mit Kindern über diese Arbeit . Einmal hatte ich es auf dem Boden meiner Werkstatt in Valencia und ein Kind erzählte mir, dass jemand die Mona Lisa malte, als hätte er von oben nach unten begonnen. Andere sehen das Bild, als wäre es über WLAN verbunden, obwohl es nicht richtig geladen wird, oder fragen mich, ob die Mona Lisa unten ist und ich sie verdeckt habe.

- Diese eindrucksvollen Porträts sind wiederum auf unterschiedliche Weise mit Eingriffen versehen, die auf die vier Elemente der Natur anspielen. Löcher, die unter anderem mit Kerzen, Erdkreisen und Schleiern gemacht wurden.

-Die mit Kerzen gemachten Löcher haben mit Feuer zu tun, aber auch damit, dass sich vor den Werken im Museum immer etwas befindet, das uns körperlich oder geistig behindert. Es geht auch darum, den Zeitablauf im Werk zu beschleunigen. Der Kreis symbolisiert im anderen Fall Luft. Einige Werke sind nicht hier, und eines habe ich im Mittelmeer versenkt, ein anderes in den Gärten von Valencia vergraben und ein weiteres monatelang auf dem Balkon hängen lassen, um zu sehen, wie die Luft darauf reagiert. Das Werk Porträt einer Frau mit Fächer . Dialog mit Rembrandt (2019) [in der Ausstellung vorhanden] Ich habe es mehrmals ausgestellt, die braunen Kreise auf dem Bild sind hautfarbenes Pigment. Wenn ich es aufrolle, beginnt das Pigment abzufallen, gleichzeitig bleiben aber auch Rückstände von früheren Proben zurück und das Werk wird im Laufe der Zeit immer weniger sichtbar.

- Betrachten Sie sich als realistischen Maler?

-Für mich bin ich ein abstrakter Maler, weil ich entdeckt habe, dass beispielsweise Rembrandts Werk eine Ausrede ist, um zur Abstraktion zu gelangen. Denn was mich interessiert, sind kleine Teile, die zu einem Ganzen führen.

- Die meisten Aufträge sind groß, andere hingegen klein.

-Ich mag sehr große oder sehr kleine Werke. Ihre Vergrößerung hat symbolischen Charakter. Kleine Werke auf diese Größe zu bringen, ist eine Entdeckung, eine technische Herausforderung.

-Wie entstehen die Laubbilder mit einer fast fotografischen Bildbearbeitung?

-Das Laub erschien während der Pandemie. Vorher waren sie da, aber im Allgemeinen vor dem Werk und verdeckten die Figur. Während der Pandemie, als wir gerade wieder nach draußen gehen konnten, sah man, wie die Pflanzen wieder grün wurden. Sie waren froh, dass wir drinnen waren. Aber es hat auch damit zu tun, was mir mit der Natur passiert. Alles basiert auf Fotos, die ich mache. Um die Ecke von meinem Haus steht eine Fabrik, ich gehe vorbei und sage „Hallo“ . Auch das Thema Laub reizt mich, das Unsichtbare zu malen.

– Während der gesamten Ausstellung tauchen in einigen Werken und an den Wänden Akaziendornen auf. In dem Gemälde „Porträt von Ginevra de Benci“. Dialog mit Leonardo (2023) – seine Präsenz ist sehr kraftvoll und definiert es neu. Warum die Dornen?

- Der Baum im Hintergrund des von Ihnen erwähnten Gemäldes hat mich darauf gebracht, aber dann habe ich entdeckt, dass Dornen neben der Ästhetik auch viele andere Dinge für mich symbolisieren. Dabei soll es sich um die Dornen der Christuskrone handeln, die aus Akazie gefertigt waren. Sie symbolisieren alles, was uns bedroht, alles Äußere, was uns Sorgen macht und was wir nicht kontrollieren können. Deshalb wollte ich, dass sie den Raum übernehmen.

Martin La Rosa. „Zeit und das Sichtbare “ kann bis zum 30. Juni von Montag bis Samstag von 12 bis 20 Uhr im Museum der Nationalen Universität Tres de Febrero (MUNTREF), Valentín Gómez 4838, Caseros, Provinz Buenos Aires, besichtigt werden. Freier Eintritt.