Reverências ao realismo alucinado

No princípio era o Verbo. Assim, como no Evangelho segundo São João do Novo Testamento, começa a exposição na sala Cronópios do Centro Cultural Recoleta . Ali, no que poderíamos pensar como o nártex de uma igreja — aquele espaço acolhedor entre o exterior e o interior de uma basílica —, estão localizadas todas as páginas do livro Carroña última forma (Carniça, a Última Forma), que dá título à exposição, do poeta argentino Leónidas Lamborghini . Um início na chave da leitura do que virá alguns passos adiante.

O texto emblemático de Lamborghini, escrito no turbulento contexto local de 2001, propõe uma errância que, em sua forma, descontrói e reconstrói significados, espaços e linguagem. Complexo e marcante em sua visualidade (a poesia, desde Mallarmé, reconhece a plasticidade dos espaços em branco e das palavras para produzir novos significados), fala da carniça como aquilo que persiste , como uma possível forma configurativa; portanto, de uma estética e de uma ética.

Porque esta exposição de 38 obras e 11 grandes artistas, com curadoria de Carla Barbero e Javier Villa , constitui um ensaio para pensar o passado, o presente e o futuro de uma sociedade, a partir de uma seleção de artistas que se sobrepõem geracionalmente desde a década de 1930 até o presente.

“Carroña última forma se organiza como um experimento espacial que gira em torno da ambivalência entre iconoclastia e veneração à imagem . Um paradoxo que permeia as formas do realismo alucinado, onde explorações materiais excessivas não buscam representar o mundo, mas fazê-lo explodir. Nessas obras, a imagem não ilustra; ela eleva o volume”, escrevem Barbero e Villa.

A espacialidade do grande salão sugere a jornada de um adorador pagão, se me permitem o oxímoro. Entre a iconoclastia e a veneração, palavras e imagens amplificam constantemente significados e criam novos a partir das possibilidades dos espaços intermediários. O projeto arquitetônico do salão, preservado e enfatizado pelos curadores, combinado com o layout da exposição, lembra a planta baixa de uma basílica.

Carniça, Última Forma é uma proposta esclarecedora para a compreensão da interação entre arte, sociedade e política em uma linha temporal local. Localizado no início da "nave central", vemos um altar deslumbrante com uma tríade de obras, cujo ápice é "La Victoria" (Vitória), de Raquel Forner , de 1939. Esta pintura retrata o corpo desmembrado de uma mulher nua com aparência escultural (algo entre uma Vênus clássica e a iconografia de Jesus crucificado), em meio a pequenas cenas circundantes de desespero e execução. Abaixo dela, neste altar de base circular, estão " Tortura e Guerra" , de Antonio Berni , ambas de 1976. Essas duas montagens (inéditas ao público até dois anos atrás) nos confrontam com o sofrimento físico e a crueldade sinistros. Poderíamos pensar em um altar de horror , especialmente da história e da memória.

Ao longo do caminho, somos apresentados a grandes suportes de madeira por trás, como os bancos de uma igreja ao entrar. Para ver as obras penduradas, devemos virar a cabeça. De um lado estão as pinturas de Verónica Gómez e, do outro, as obras de Santiago O. Rey, ambos olhando para as referências artísticas localizadas no altar. Gómez propõe personagens fantásticos, grotescos e a representação de órgãos corporais, de sua série Achuras Metafísicas , criando um universo onde a metáfora é reproduzida entre referências à história da arte e diversas formas narrativas. As pinturas de Santiago Rey entrelaçam montagem, narração visual e crítica social por meio de uma composição que a princípio parece poética.

Ao chegar ao "altar", a rota se bifurca. À direita, encontramos a instalação "Berniadas " (2001), de Marcia Schvartz , com recortes de jornal, papelão, latas de tinta, espátulas, sacos de lixo e outros resíduos gerados pelo consumismo, como uma homenagem a Berni e um testemunho da crise política, econômica e social do início do século XX. Ou "El ambiente" (2014), uma obra entre a economia e a violência institucional. A partir daí, outra área se abre com a coleção de Tobías Dirty , enquadrada em questões de gênero, sexualidade, underground e práticas pagãs, como indicam os curadores. Em toda a obra, a política está presente, até mesmo no sentido literal de alguns dos títulos de suas obras, como "Tragedia de Cromagnon" e "Ley de Convertibilidad", com aquele imaginário "sensual e monstruoso".

Ao longo da exposição, textos claros e precisos sobre os artistas são oferecidos. À esquerda do altar, desdobra-se uma tríade emancipatória e feminina: Maresca/Stern/Meloni. Os curadores recriaram a obra "Imagem Pública - Altas Esferas" (1993), de Liliana Maresca , que teve lugar no Centro Recoleta e terminou na Costanera Sur. As grandes fotografias em preto e branco retratam o corpo da artista, alguns nus, em meio aos rostos de figuras políticas contemporâneas e militares da última ditadura. As imagens estão dispostas entre escombros, assemelhando-se às ruínas/resíduos da política e da sociedade do país. "O corpo como catalisador do trauma social na arte argentina", apontam os curadores. Seguem-se as fotografias gigantes de Grete Stern , de sua série de fotomontagens baseadas em sonhos femininos da década de 1940, que, desde o início, uniu história da arte e perspectivas de gênero em um viés surrealista. Enquanto o vídeo de Verónica Meloni “incorpora tensões urbanas e de gênero no espaço público”.

Passado e presente. E o futuro? Esta exposição, como afirmam os curadores, aumenta o volume. Vamos ouvir, porque "cabe a nós inventar o futuro próximo", disse Lucrecia Martel recentemente. "Um futuro que gostamos, vamos tentar inventar um futuro que não seja apenas o apocalipse (...)", enfatizou a cineasta.

Lemos no texto de Lamborghini: "As coisas não terminam se não forem terminadas" (cada letra escrita verticalmente em uma linha). Por onde começar? A sala Cronopios é um possível ponto de partida. Em uma vitrine, ainda encontramos materiais de "O Manuscrito Também Pode Estar Desaparecido " — exibido pela primeira vez na Argentina — de Osvaldo Lamborghini (irmão de Leônidas), onde a experimentação entre escrita, desenhos, colagens, fotografias e pinturas se multiplica e imagina outras combinações. Começar por aqui seria uma primeira opção poderosamente criativa.