In Usbekistan ist die erste Buchara-Biennale im Jahr 2025 eine freudige Überraschung.

Eine Karawanserei ist ein Gasthaus mit Verkaufsständen für Reisende auf Handelskarawanen und war normalerweise mit einem Kamelstall ausgestattet. Seit den ersten Jahrhunderten der christlichen Ära war sie zweifellos der Vorläufer von Einkaufszentren und Hotels. Daher sollten unsere Aufmerksamkeit sowohl auf die Kunstwerke als auch auf die Räume gelenkt werden, in denen sie ausgestellt sind . Einige davon wurden kürzlich renoviert. Im 14. Jahrhundert etablierte sich Buchara als eine der wichtigsten Etappenstationen auf der Seidenstraße, der Route, die China über Zentralasien mit Nordafrika verband; sein Warenumschlagplatz überquerte das Mittelmeer bis nach Istanbul und Venedig.
In dieser historischen Stadt, deren Teppiche in der klassischen englischen Poesie so oft zitiert werden, findet seit dem 1. September die erste Usbekistan-Biennale statt – eine Überraschung, die alle Erwartungen übertraf. Laut der Zeitschrift Frieze , um nur eines der Loblieder zu nennen, sei sie eine tugendhafte Antwort auf das Syndrom der „Biennale-Müdigkeit“, „nicht nur, weil sie exzellent ist, sondern auch, weil sie ein Modell bietet, das jegliche Skepsis gegenüber Großausstellungen widerlegt .“
Zu den Werten – und nicht nur ein Detail, sondern vielmehr eine der Herausforderungen des Experiments – gehört, dass dies für die Mehrheit des lokalen Publikums der erste Kontakt mit zeitgenössischer Kunst ist. Einige Entscheidungen haben zweifellos geholfen: Hier gibt es keine White Cubes oder leeren Pavillons, sondern die Regel des Kontexts. Alle Projekte finden im Freien statt, was die Ausstellungsdauer verkürzt. Vor einem Jahr waren diese Moscheen, Madrasas und Karawansereien noch für die Öffentlichkeit geschlossen – einige bereits seit Ende der 1990er Jahre. Dieses großartige, unter UNESCO-Schutz stehende Erbe umfasst eine Biennale mit rund 70 Künstlern aus aller Welt, und der vielleicht größte Erfolg besteht darin, dass jeder Künstler für seine Umsetzung mit lokalen Kunsthandwerkern zusammenarbeitet.
Kuratiert wurde die Biennale von Diana Campbell Betancourt , einer Amerikanerin mit deutlich lateinamerikanischen Einflüssen und Wurzeln und Expertise in Asien. Ihr Motto lautete: „Rezept für gebrochene Herzen“. Vorsicht, lassen Sie Ihre Vorurteile innerhalb der Zitadellenmauern hinter sich: Hier gibt es weder Kitsch noch Melodrama, sondern einen energischen Appell an das lokale und internationale Publikum . Der Satz spielt auf die Enttäuschung in der Liebe ebenso an wie auf die Trauer und das Leid der Auswanderung, auf einen beschädigten Planeten im gewaltsamen Wandel, auf dem die Freundschaft Zuflucht bietet.
Campbells Arbeit war untrennbar mit dem Stadterneuerungsprojekt verbunden, das vom usbekischen Architekten Wael Al Awar, dem Kreativdirektor für Architektur dieser ersten Ausgabe, geleitet wurde. Gemeinsam mit Campbell standen sie vor der doppelten Herausforderung, dafür zu sorgen, dass die Werke – allesamt Auftragsarbeiten und ortsspezifische Arbeiten – für sich stehen und sich in die beeindruckenden, strengen Räume einfügen. Auftraggeberin der Biennale war Gayane Umerova, Direktorin der staatlichen Stiftung für die Entwicklung von Kunst und Kultur, einer Art Ministerium ohne Geschäftsbereich, das 2024 die Uraufführung von Händels Oper Tamerlano organisierte. in Taschkent, unter der Leitung des Italieners Stefano Poda und der Sopranistin aus Mendoza Verónica Cangemi.
Diese umfangreiche Ausstellung ist eine von mehreren Initiativen, darunter das brandneue Zentrum für zeitgenössische Kunst und ein neues Nationalmuseum, das vom japanischen Architekten Tadao Ando entworfen wurde und 2028 eröffnet werden soll, beide in der Hauptstadt. Am Nachmittag, als wir mit Umerova sprachen , erwartete sie der französische Designer Phillipe Starck , der am selben Morgen eingetroffen war und mit dem sie an einem anderen Projekt arbeitet. Offensichtlich ist das Modell der Modernisierung durch kulturelle Institutionen dasselbe, das die Länder am Persischen Golf übernommen haben, wenn auch in einem anderen Tempo und ohne Petrodollar.
Kuratorin Campbell entnahm ihr Motto einer biografischen Anekdote über Dr. Avicenna, die möglicherweise einer Fälschung entstammt. Dieser Weise – im 9. Jahrhundert im persischen Buchara als Ibn Siná geboren und Autor des Kanons der Medizin ( Qanûn ), jener Abhandlung, die Galen in Europa vom Thron stürzte – gilt als Vater der modernen Medizin und war ein Pionier bei der erst spät erfolgten Beschreibung der Anatomie des Auges . Als der weise Arzt mit einem depressiven jungen Prinzen konfrontiert wurde, verordnete er ihm, er solle seiner Leidenschaft für ein Mädchen aus dem einfachen Volk nachgeben und seine tägliche Ration Plov, den für die Region typischen Pilaw-Reis, nicht vergessen. Auf der Biennale schlug jeder Künstler mögliche Rezepte zur Heilung von Körper und Seele vor. Die 70 Teilnehmer – darunter der Bangladescher Kamruzzaman Shadhin, der Monate damit verbrachte, ein Visum zu beantragen – besuchten Buchara, bevor sie ihre Projekte einreichten: Die Werke gehören den einzelnen Künstlern, und wenn sie verkauft werden , müssen sie die Produktionskosten an den Staat zurückzahlen . Bedeutende Sammler aus der Region sind hier vorbeigekommen und stehen nun im Dialog.

Während die Verteidigung des Handwerks und seines Status als Kunst heute weltweit zu den Paradigmen gehört, wird bei der Buchara-Biennale die Materialität so meisterhaft gemeistert, dass sie in vielen Fällen sogar Vorrang vor der künstlerischen Idee erhält. Alle beteiligten Kunsthandwerker werden in den Werken genannt – ein Umstand, der hier in den meisten Fällen nicht thematisiert werden kann.
Die erwähnte „Biennalenmüdigkeit“ bezieht sich auch auf eine gewisse Erschöpfung angesichts der politischen Agenden und Themen, die bei globalen westlichen Kunstveranstaltungen weit verbreitet sind und von denen auch die letzte Biennale von Venedig nicht verschont blieb. Genau genommen hat Buchara seinen eigenen Weg gesucht; es scheint die Fallstricke des künstlerischen Kollektivismus verinnerlicht zu haben, der die gescheiterte Documenta 15 im Jahr 2022 kennzeichnete; es hat die Rhetorik des „Woke“ durch die weniger prätentiöse „Teamarbeit“ und unerreichbare Utopien durch die Idee der „Heilung des Planeten“ ersetzt . Und während es offensichtlich ist, dass ein islamisches Land wie Usbekistan Bescheidenheit als unabdingbare Voraussetzung aufrechterhält, was Grenzen der Repräsentation impliziert – des weiblichen Körpers, der sexuellen Vielfalt, der Sexualität selbst, wenn wir von gebrochenen Herzen sprechen –, schlägt es effektiv vor, unseren Blick neu zu kalibrieren, weg von der Nacktheit, hin zum menschlichen Körper von innen und im Angesicht des Todes, einem der verborgenen, aber gemeinsamen Themen in vielen Werken. Von den Organisatorinnen und mehr als der Hälfte der teilnehmenden Künstlerinnen wird hier eine andere Art der Reflexion auf der Grundlage praktischer Praktiken vorgeschlagen.
Buchara präsentierte die Kraft seiner angewandten Künste, die ihresgleichen suchen. Der Schwerpunkt lag auf Keramik, Mosaiken, Textilien und Bronzearbeiten, ergänzt durch einige Beispiele der Videokunst. Das Ergebnis ist eine Neubewertung des Materials, die die derzeitige Vorherrschaft der Bildschirme und die Digitalisierung der Sinne in allen Kunstsprachen in den Schatten stellt. In unserem Gespräch bemerkte Direktorin Umerova: „Unsere Kunsthandwerker und unser Publikum müssen Zugang zu anderen Weltanschauungen erhalten; es ist eine enorme Verschwendung, ihre Kunst auf Massenware und Souvenirs für den Tourismus zu beschränken . Die Biennale sollte ihnen die Möglichkeit geben, ihre Sprachen zu erweitern.“

Hier gibt es keine expliziten Antikriegs- oder Pro-Entkolonialisierungs-Statements, sondern eher eine Bekräftigung uralten Wissens und eine Betonung von Gastfreundschaft und multikultureller Koexistenz , die eine größere Utopie zusammen mit den Twin Towers im Jahr 2001 zerstört hat. Die Eröffnung der Ausstellung erfolgt durch einen kleinen Pavillon des indischen Künstlers Subodh Gupta mit dem Titel „ Vom Wind getragenes Salz“, wie die antiken Karawanen, die Kolumbus in die Globalisierung vorausgingen. Es handelt sich um ein Rechteck, das außen mit Hunderten von emaillierten Haushaltstöpfen gesäumt ist, die typisch für die Sowjetzeit sind und noch immer in Gebrauch sind – unsere unschätzbar wertvollen Ferrum-Töpfe!, mit denselben Obstaufdrucken – und innen mit Keramiktellern, die in Massenproduktion für Touristenbasare hergestellt wurden. Der Keramiker Baxtiyor Nazirov hält dort Vorträge und serviert dem Publikum Plov -Gerichte.

Die Werke sind über die ganze Stadt verstreut, nehmen jedoch drei riesige Räume ein: die Karawansereien Ayozjon und Ulugbek Tamokifurush, den religiösen Komplex Khoja-Gavkushon und die Rashid Madrasa; jeder besteht aus Innenhöfen und kleinen, einheitlichen Bereichen. Fast die Hälfte der Künstler sind Usbeken und stammen aus Nachbarländern, viele von ihnen leben im Ausland, aber es gibt auch Teilnehmer aus anderen Ländern, wie den Engländer Antony Gormley, die Französin Eva Jospin und die Palästinenserin Dana Awartani , sowie drei lateinamerikanische Künstler, die zu den etablierten gehören. Zahlreiche Werke weisen kulturelle Bezüge zu Zentralasien auf – das klassische Persien im Kontrapunkt zum Arabischen –, während andere komplexe hybride Kosmogonien einsetzen: Ein altägyptischer Gott steht dem von Odysseus erzählten Saturn, der seine Kinder verschlingt, gegenüber.
In der ersten großen Karawanserei werden wir von einem der beiden brasilianischen Gäste, der Malerin Marina Páez Simão, begrüßt, die hier auf einen großen Mosaikboden projiziert wird. Und gleich darauf folgt eines der vollkommensten Ensembles, das den großen Wandteppich „Healer of Broken Hearts“ der australisch-afghanischen Künstlerin Khadim Ali in einer Sozani-Stickerei mit einem religiösen oder fantastischen Thema (der magische Vogel Simurg aus der persischen zoroastrischen Religion) vereint; daneben die Keramikurnen „Bukhara Ossuaries“ der pakistanischen Künstlerin Veraa Rustomji. Wie eine Zeitreise erheben sich wenige Meter entfernt zwei große Keramik-Handytürme („Dark Age is Better, Desert is the Future“) der koreanischen Künstlerin Yun Choi. Ihre Skulpturen zitieren den historischen Fernsehturm von Nam June Paik , einem Pionier der Videokunst; eine neonfarbene Handynummer lädt zur Interaktion ein. In diesem weitläufigen Innenhof betonen die Werke das Streben nach Transzendenz und die sich verändernden menschlichen Reaktionen, die alle vorläufig und in der Magie verwurzelt sind, einschließlich des Mobiltelefons.

Weiter entlang, in der Gawkuschon-Moschee und Madrasa, ist der Blaue Raum der Künstler Abdulvahid Bukhoriy und Jurabek Siddikov jedermanns Liebling . Ursprünglich ein Gebetsraum, ist er mit Mosaiken in verschiedenen Blautönen verkleidet: ein ozeanisches Eintauchen und zugleich ein Mausoleum im Stil derer, die in der Nachbarstadt Samarkand schimmern. Besucher legen sich dort hin, um die Meeresfauna zu beobachten, die in emailliertem Kupfer und mit fischähnlichen Formen dargestellt ist, die in der Luft vibrieren. Usbekistan ist ein Binnenstaat.

Das vielleicht eindrucksvollste Ensemble der gesamten Biennale ist jedoch das im Innenhof dieser Moschee, das die – jedes für sich überraschenden – Werke von Delcy Morelos, dem englischen Künstler Anthony Gormley und einer künstlichen Oase vereint. Diese Werke werden wiederum von den sich öffnenden und schließenden Toren des Innenhofs des japanischen Künstlers Kei Imazu ( Arc of Arrival ) eingerahmt, die eine Hommage an die lokale Brottradition darstellen.
Die Kolumbianerin Delcy Morelos , deren Installation „El lugar del alma“ (Der Ort der Seele), die wir im Museo Moderno sahen, aus gestampftem Lehm mit Nelken und Zimt, errichtete eines der unbestrittenen Highlights , „La sombra terrestre“ (Der Schatten der Erde), eine aus Seilen geflochtene Kurkuma-Pyramide nach dem „Auge Gottes“-System, das das Sonnenlicht auf einen einzigen Punkt bündelt und die Frische bewahrt. Ein goldener Raum mit einem durchdringenden, heimeligen Duft – Morelos schafft meditative Räume, die den Geruchssinn ansprechen – ist sowohl ein Zufluchtsort für die Familie als auch ein Denkmal. Er koexistiert mit Gormleys menschlicher Syntax, die aus Lehm mit Erde aus der staubigen usbekischen Steppe besteht : Er ist ein Alphabet anatomischer Haltungen – sitzender Mann, liegender Mann, gebeugte Beine. Oder ist es besser eine Nekropole oder ein Feld aus Legosteinen …? Diese beiden Werke koexistieren mit der Oase des usbekischen Künstlers Ruben Saakyan („Die Illusion des Beobachters“ ) , die in Zusammenarbeit mit einem Biologen entstand. Es ist eine Reflexion über die Perspektive, die den Segen der Vegetation zwischen den Dünen zugleich verbirgt und enthüllt. Das Minarett der Moschee – auf unserem Eröffnungsfoto – überragt den Hof.

Es gibt auch Einzelwerke voller Inspiration. Manche versuchen, universelle Geheimnisse zu isolieren und verzichten dabei auf Sprache. Ein Beispiel hierfür sind die Riemen und Haken, die Shakuntala Kulkarins großen Tandoor festziehen, ein Haushaltsgegenstand, der zu einem alltäglichen Folterinstrument umfunktioniert wurde. Im Inneren ist die stumme Projektion einer Frau zu sehen, die einen Ball zwischen zwei Männern boxt . Dies ist eines von mehreren Werken dieser versierten indischen Künstlerin, zu denen auch Videotanz gehört. Usbekistan weist wie Indien eine hohe Rate häuslicher Gewalt auf; sie und andere Künstler arbeiteten mit Opfern in örtlichen Notunterkünften.

Wie es heutzutage unvermeidlich ist, ruft ein Werk zur Trauer über die palästinensische Tragödie auf. „Standing by the Ruins IV“ der palästinensischen Künstlerin Dana Awartani rekonstruiert in Zusammenarbeit mit dem Keramiker Behzod Turdiyev die Böden des historischen Hamam al-Sammara in Gaza, das 2023 niederbrannte. Die zum Brennen dieses Mosaiks verwendete Erde stammt von dort; seine materielle Evokation ist alles, was von diesem öffentlichen Raum erhalten geblieben ist.
Usbekistan war einst eine der sechs islamischen Sowjetrepubliken, seit dem 14. Jahrhundert Staatsreligion und das Reich Timurs. Heute kennt es keine repressiven Mandate mehr. Obwohl Niqab und Burka gesetzlich nicht verboten sind, wird das Tragen auf der Straße mit dem Argument der städtischen Sicherheit aktiv unterbunden. Jüdische Künstler wurden eingeladen, wie beispielsweise Anna Lublina mit ihrer „Bukhara Peace Agency“, einem Geschichtenzelt, das die bedeutende jüdische Einwanderung in die Stadt rechtfertigt, die mit der Zwangsexilierung nach Babylon begann, Jahrhunderte vor der Arabisierung Zentralasiens.
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